THE RAID REDEMPTION

Serbuan maut (The Raid), Director: Gareth Evans, Reparto: Iko Uwais, Doni Alamsyah.

Todo el mundo en Jakarta sabe que en los barrios bajos de la ciudad hay un edificio que sirve de refugio para los criminales más peligrosos de Indonesia. Algo así como una fortaleza del mal cuya leyenda crece día a día y a la que incluso la policía teme acercarse. Pese a ello, un grupo de fuerzas especiales de élite intentará derribar sus defensas y penetrar en sus entrañas. Pero la operación no sale según lo previsto, y los policías se encontrarán atrapados en el edificio, sin escapatoria posible y rodeados de asesinos y gángsters. (Película vista en el VIII Kikes Festival).

Próxima a estrenarse en Dvd con el infame titulo de “Redada asesina”, The raid es uno de los mejores films de acción que nos han llegado desde cualquier lugar del planeta en los últimos años. No me arriesgaría a decir que es una gran película, porque no lo es; los actores se encuentran incómodos cada vez que tienen que interpretar alguna línea de dialogo, el argumento está cercano a un videojuego de mamporros, y hay algunos momentos en los que parece que estamos ante otra peli asiática de cabriolas y carreras, tipo Bruce Le, o Lai.

Y sin embargo, gracias a una hábil dirección, The Raid se muestra enérgica en los movimientos de cámara, en la planificación de las peleas, incluso en algunas soluciones narrativas.

 Además, es una película de supervivencia que tanto le gustan al escribiente, muy del estilo “Asalto a la comisaría del Distrito 13” o “La jungla de cristal”, con mucha violencia y buenos momentos de tensión, donde el bueno las pasa canutas pero mata a diez indeseables por segundo.

Pero más allá de su gran acabado técnico, lo más llamativo de este adrenalítico film son las escenas de acción, las peleas. Coreografias de infarto, golpes memorables, movimientos asombrosos y brutalidades varias que harán que los aficionados al cine de artes marciales salten de sus asientos.

Hay algunos mamporros que son verlos para creerlos, dignos del mejor dibujo animado, del comic más espectácular.

Quizás algunas críticas favorables algo desmedidas le han hecho un poco de daño a un film más modesto de lo que parece. No estamos ante una nueva “Jungla de cristal”, ni tiene el mismo presupuesto ni la misma profundidad psicológica; no intentemos comparar o The Raid parecerá menos de lo que es.

La película de Garteh Evans es un entretenimiento de primera, pero es un film de acción sin mayores pretensiones. No creo que guste a críticos sesudos o a los que busquen una historia con chicha. Aquí la chicha la mastica el malo de la película, que hará que al final del metraje te duelan todos los huesos del cuerpo. Y eso que no habrá llegado a tocarte un pelo. Pero te dolerán, te lo aseguro.

8º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE KIKES

Hola, chicos. Aquí os dejo la promo del Festival. Recordad, el 29 y 30 de Septiembre. Os espera el Festival más largo de todos. ¿Quién se llevará el premio velcro este año? Saludos.

CINE:HEADHUNTERS

Hodejegerne. Director: Morten Tyldum, Reparto: Aksel Hennie, Nicolaj Coster-Waldau.

 Roger es un reputado cazatalentos noruego que vive en una maravillosa casa de campo con su esposa Diana, la bella propietaria de una galería de arte. En realidad, está viviendo muy por encima de sus posibilidades; si puede mantener ese ritmo de vida es gracias a que se dedica a robar obras de arte. En la inauguración de una galería, su esposa le presenta a Clas Greve, que, además de ser el candidato perfecto para el cargo de director general de la compañía de Roger, es propietario de una pintura muy valiosa. Roger ve que le ha llegado la oportunidad de alcanzar definitivamente la independencia económica y empieza a planear el robo del cuadro.

Headhunters es un apreciable thriller proveniente del frío Noruego, y se podría enmarcar dentro del estilo de novela negra que últimamente nos llega del norte de Europa; eso si, con un ligero toque de cine a la americana en cuanto a sentido del ritmo.

Morten Tyldum ya había tocado el thriller nórdico con anterioridad, pero sorprende la habilidad con la que está contado el relato, la historia de un cazatalentos codicioso y manipulador que se verá envuelto en una trama llena de sospechas y asesinatos. El guión es solvente, y si quitamos algunas situaciones forzadas, se podría decir que incluso solido y estimulante.

No es que Tyldum sea Hitchcock –Algún momento huele a telefilm-, pero mantiene el tipo y rueda algunas secuencias de suspense destacables, apoyado en una creible interpretación de Aksel Hennie, que sabe transmitir perfectamente los miedos a los que se enfrenta el personaje.

Headhunters es cine negro, violento y oscuro, al que se le podría achacar una moraleja previsible, pero que no echa por tierra el buen hacer del conjunto.

 Puede que la película de Tyldum no pase a la historia del cine negro, pero es un buen pasatiempo, más modesto pero mejor que otros thrillers estrenados este año en las salas españolas.

DVD EN CAPSULAS

Dado que es Agosto y la cartelera está en horas bajas, vamos con un par de estrenos en Dvd para las próximas semanas.

TAKE SHELTER

2011, Director: Jeff Nichols, Reparto: Michael Shannon, Jessica Chastain, Kathy Baker.

Curtis LaForche vive en un pequeño pueblo de Ohio con su mujer, Samantha, y su hija Ana, una niña sorda de seis años. Curtis empieza a sufrir fuertes alucinaciones apocalípticas. Unas alucinaciones que no sabe si son consecuencia de una enfermedad mental o se trata de premoniciones reales.

Una de las sorpresas del año pasado está dirigida por Jeff Nichols, que en su segunda película demuestra un desparpajo poco habitual  para la recreación de atmósferas, además de un elegante sentido visual.

Estamos ante un drama independiente con toques de cine fantástico, pero cuidado, Take Shelter no es un film de ciencia-ficción ni un thriller trepidante; el film de Nichols nos sumerge en un drama psicológico con tintes de pesadilla, ya que el protagonista –un más que convincente Michael Shannon- tiene unos sueños tenebrosos y unas extrañas visiones que serán los detonantes de la trama principal.

La película se debe ingerir despacio. El argumento requiere algo de paciencia por parte del espectador, que cuando quiera darse cuenta, se verá sumergido en la misma espiral paranoica que el desventurado Curtis LaForche, quien intentará convencer a su familia de que todo lo que le ocurre tiene un significado.

Y son precisamente las incógnitas sobre ese significado, las que hacen que uno se sienta participe y busque una respuesta real o figurada a los problemas del protagonista. Esto hace de Take Shelter una experiencia cautivadora, pero a su vez, y a la postre, condena su resultado final: Y es que la propuesta es mucho más sugestiva que la resolución de la trama, que acaba cayendo en una situación muchas veces vista, aunque no por ello deje de ser inquietante.

Que mi comentario subjetivo sobre el final del film no os nuble la vista. Take Shelter es una película recomendable, de gran imaginería  y que cuenta con un Michael Shannon en estado de gracia.

INFIERNO BLANCO

The Grey, 2011, Director: Joe Carnahan, Reparto: Liam Neeson, Dermot Mulroney, Frank Grillo.

Tras estrellarse su avión, debido a una avería, en una remota y salvaje región de Alaska, un equipo de buscadores de petróleo se pierde en la tundra subártica. Los supervivientes, expuestos a un frío glacial y a un hambre voraz, sufren la incansable persecución de una manada de lobos.

Joe Carnahan es un director labrado en el thriller urbano y seco, con películas destacables como Narc o Ases calientes. Después de su fracaso con el remake-loquesea del Equipo A, Carnahan regresa a su hábitat de cine áspero y contundente con Infierno Blanco.

Infierno blanco es un Survival, una película de supervivencia que no tiene nada que envidiar en forma a otros títulos del género, como La presa o Deliverance. Hay tensión a lo largo de todo el metraje, hay situaciones límites, un buen reparto, violencia, desesperación, un final acorde y una puesta en escena de primera.

¿Qué falla entonces? En mi opinión la película pierde fuerza en el fondo, debido a las intenciones de Carnahan por engrandecer un film que no necesitaba de comentarios crípticos y sentencias filosóficas. Algunas conversaciones son poco creíbles y ello provoca que la personalidad de algunos de los personajes se resienta.

Un poco de menos pretenciosidad y metraje podía haber dado como resultado una gran película; Aún así, pienso que Infierno Blanco es un film que ha sido infravalorado por la crítica, ya que me parece una apuesta arriesgada, incómoda y politicamente incorrecta para los tiempos que corren. 

EL CABALLERO OSCURO: LA LEYENDA RENACE

 2012, Director: Christopher Nolan, Reparto: Christian Bale, Anne Hathaway, Gary Oldman.

Hace ocho años que Batman desapareció en la oscuridad, dejando de ser un héroe para convertirse en fugitivo. Al asumir la culpa por la muerte del fiscal del distrito Harvey Dent, el Caballero Oscuro decidió sacrificarlo todo por lo que consideraba, al igual que el Comisario Gordon, un bien mayor. La mentira funciona durante un tiempo, ya que la actividad criminal de la ciudad de Gotham se ve aplacada gracias a la dura Ley Dent. Pero todo cambia con la llegada de una astuta gata ladrona, que pretende llevar a cabo un misterioso plan. Sin embargo, mucho más peligrosa es la aparición en escena de Bane, un terrorista enmascarado cuyos despiadados planes para la ciudad obligan a Bruce a regresar de su voluntario exilio.

 El cine de Christopher Nolan lleva años levantando pasiones encontradas: Los que están a favor de su figura hablan de un autor que sabe combinar el cine espectáculo con la profundidad psicológica de los personajes que aborda. Los que suelen denostar sus películas, critican la desmesura de sus filmes, las ínfulas de un cine que quiere ser solemne pero que resulta forzado.

Si en la opinión del que suscribe, en El caballero oscuro, la balanza se decantaba más hacia la primera opción, en La leyenda renace la balanza se iguala, y muchas de las situaciones que funcionaban en aquella aquí parecen ser soluciones poco meditadas o metidas con calzador. Hay giros en el guión poco creíbles –sobre todo los relacionados con los métodos de la policía de Gotham- y la narración avanza a trompicones en su primera hora, haciendo que el resultado global de la cinta sea un tanto irregular. A pesar de esto -y de la manía de Nolan de enlazar un clímax tras otro hasta extenuarte- La leyenda renace levanta el vuelo a medida que se acerca el desenlace, dejando atrás unas cuantas secuencias excelentes, casi todas ellas relacionadas con las apariciones de Bane y Catwoman y sus críticas a la sociedad de un mundo en crisis.

 Es en el tramo final donde la  pericia de Nolan para enlazar tramas se sobrepone a un guión con ideas ya vistas y mejor plasmadas en anteriores Bat-películas -La superación, la redención o la ambigüedad moral del héroe y el villano-  es donde Batman toma el protagonismo que no había tenido en el resto del metraje y donde la intensidad y el espectáculo puro y duro consiguen imponer su ley.

La leyenda renace probablemente suponga una decepción con respecto a otras películas de su director; Quizás le haya superado la ambición que para muchos es su continúo handicap, pero en mi opinión ha cerrado una trilogía ejemplar, en la que, como ocurría con Star Wars, la segunda película es la guinda del pastel, un clásico del cine fantástico.

 No sé quien dirigirá la próxima cinta de Batman, pero seguramente, muchos, le acabaremos echando de menos. 

DVD EN CAPSULAS

Vamos a dar paso a una nueva sección para comentar los estrenos caseros, esos que en tiempos de crisis nos alejan de la crispación diaria y el tedio político. Inmortals está ya en Dvd-Blu ray, Martha, Marcy, May Marlen, está a punto de caer y Luces rojas llegará en Septiembre.

INMORTALS

Inmortals, Director: Tarsem Singh, Reparto: Henry Cavill, Mickey Rourke, Freida Pinto.

Un terrible peligro amenaza la Tierra: enloquecido por el poder, el brutal rey Hiperión (Mickey Rourke) ha declarado la guerra a los hombres. Después de reunir a un ejército sediento de sangre formado por soldados que él mismo mandó desfigurar, Hiperión quema Grecia mientras busca un arma de poder inconcebible: el legendario arco Epiro, hecho por Ares en el Olimpo. El hombre que posea ese arco podrá liberar a los Titanes, que están encerrados en el monte Tártaro desde el principio de los tiempos, y claman venganza. Sin embargo, en manos de Hiperión, el arco significaría la destrucción de la raza humana y la aniquilación de los dioses.

No andará desencaminado el que piense que está película es otro Blockbuster del estilo de Lucha/Ira de Titanes o 300, y tampoco se equivocará demasiado quien al ver el trailer piense que está vez el director de la alucinante The Fall, el sueño de Alejandria (2006) ha escrito torcido. Y es que Inmortals es narrativamente torpe, con un guion lleno de tópicos y una trama que pide a gritos un poco de coherencia; También habra gente que crea que los Dioses representados en la película lucen bastante ridículos, pero a mi me parecieron cuanto menos diferentes.

Sin embargo, y aunque se note que el realizador Tarsem Singh camina por la película atado de pies y manos, consigue sacar su innegable talento visual en un puñado de secuencias y en muchos detalles del diseño de producción. Su imaginación desbordante aparece en vestuarios, decorados y paisajes, y su sentido de la violencia explota en un tramo final sangriento y brutal. Los actores cumplen (El nuevo Superman es el prota) a pesar de los pobres diálogos, y el conjunto da como resultado una estrafalaria serie-b altamente adictiva.

Puntuación: 5 y medio.

 

LUCES ROJAS

Director: Rodrigo Cortés, Reparto: Cillian Murphy, Robert de Niro, Sigourney Weaver.

Una parapsicóloga y su ayudante intentan desacreditar a un vidente que ha recuperado el prestigio después de haber pasado treinta años sumido en el olvido; el problema consiste en que el cerebro casi siempre nos transmite una imagen distorsionada de la realidad.

Quizás tenía puestas demasiadas expectativas en este film; quizás vi demasiada publicidad, o demasiadas entrevistas a Rodrigo Cortés, quien nos vendía el film como el no va más de los thrillers. Nos metieron Luces rojas hasta en la sopa, meses antes con el teaser y en el estreno con su director en todos los programas de tv habidos y por haber. Vaya, parece que todo esto puede haber influido en mi opinión final de la película. Es una reflexión en voz alta, bueno, en letra escrita, pero no lo creo.

Luces rojas lo tiene casi todo para triunfar: Un buen director con una película anterior magnífica, un reparto internacional de campanillas, un presupuesto holgado, una maquinaria publicitaria descomunal...

Todo menos un guión a la altura. El argumento es interesante y el comienzo promete, pero enseguida se le ven las costuras. Luces rojas no se diferencia de ninguno de los thrillers al uso que se estrenan por docenas en Usa. Sigue el mismo esquema que parece decir que “Lo que cuenta es el final y que más da la verosimilitud y la coherencia”. Lo importante aquí es acabar con una traca final que atonte al espectador lo suficiente para que no se entere de que le han colado no un gran truco, al que yo me hubiera sumado, sino un truco barato, cutre y desmedido.

Y lo peor de todo no es que al final uno se sienta estafado (Cortés casi presumía de esto), sino que durante la estafa, perdón, película, nos regalen secuencias de una torpeza e ingenuidad insólitas, como la inicial de la sesión espiritista o la de la verificación de los poderes del vidente, por no hablar de una secuencia que provoca vergüenza ajena sobre la adivinación de unas tarjetas entre el protagonista y un médico.

La película también tiene virtudes, Cortés sabe crear tensión y hay momentos logrados, pero son escasos. Cillian Murphy hace lo que puede, pero le cuesta llevar el peso del film; de Niro y Weaver están metidos en sus papeles, pero el desbarajuste acaba triunfando y la decepción sale de la manga antes de terminar la partida.

Puntuación: 4

 

MARTHA, MARCY, MAY MARLENE

Director: Sean Durkin, Reparto: Elizabeth Olsen, Brady Corbet, John Hawkes.

Atormentada por dolorosos recuerdos y dominada por una creciente ansiedad, Martha abandona una secta y se va a vivir con su hermana Lucy y con Ted, el marido de ésta. Intenta adaptarse al estilo de vida de la clase media-alta, pero acosada por constantes pesadillas, no le resulta nada fácil.

Aunque la trama de este film independiente pueda parecer cercana al Trhiller, Martha... se podría catalogar como un drama psicológico, que trata sobre las secuelas que provocan en una chica el haber  convivido durante un tiempo con una secta religiosa de la América profunda. No es una película de sectas al uso, (Aunque hay algo de violencia física, la violencia que realmente destaca es la sugerida) ya que también es un film que ahonda en temas como la incomunicación o la soledad; Lo más sorprendente es que la opera prima de Durkin hace gala de sensibiliad y tacto a la hora de abordar estos temas, además de contar con una adecuada dirección y un gran sentido de la elipsis y el Flashback.

Y es que Martha... es antetodo un perfecto manual de como realizar un montaje, un elaborado engranaje sobre el que pivotan personajes y situaciones, dando lugar a uno de los filmes más sólidos e inquietantes del último año.

Gran trabajo interpretativo de una de las hermanas Olsen y del siempre eficaz John Hawkes, estupendo como patriarca de la secta.

Los no habituados al cine independiente comprobarán que es una película lenta y contemplativa, pero si uno es paciente y le da una oportunidad, la recompensa no tardará en llegar. Es una película que deja poso.

Puntuación: 7 y medio.

SHAME: Sexo y autodestrucción

Shame, Director: Steve Mcqueen, Reparto: Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Bagde Male.

Sinopsis: Brandon es un treintañero neoyorkino con serios problemas para controlar y disfrutar de su vida sexual. Se pasa el día viendo páginas pornográficas y manteniendo contactos con solteras de Manhattan. Su vida calculada y rutinaria se ve alterada con la visita de su hermana, una cantante de carácter problemático y conflictivo.

Shame se estrenó a finales del año pasado en unas pocas salas de la Comunidad de Madrid. Aunque está a punto de salir a la venta en Dvd, aún se puede ver en los cines Renoir, todo un record. Parece evidente que el éxito de Shame radica en el “boca a oido” y que más de uno la habrá visionado en varias ocasiones. No es de extrañar, creo que es una de las mejores películas del año pasado,  junto a “Un Dios salvaje”, “Drive”,y, en mi opinión, en menor medida, “The artist”.

El director es el mismo que hace unos años filmó Hunger, una historia descarnada sobre la huelga de hambre que mantuvo un preso del Ira durante los años ochenta. Una película terrible y perturbadora, pero también fascinante y poética. Estos contrastes emocionales también aparecen en su segundo proyecto. Otra seña de identidad de Mcqueen son los personajes poco habladores, torturados, con una lucha interna constante. Shame es del descenso a los infiernos de un yuppie adicto al sexo, un hombre del que sabemos poco; sólo conocemos su pasado a través de su hermana, una cabra loca y alcohólica, un ser desorientado que habla de una infancia traumática que los marcó para siempre.

                       

El talento de su director reside en mostrar imágenes poderosas y duraderas, fotogramas que se clavan como agujas en nuestras retinas y que regresan a menudo cuando recordamos alguno de sus filmes. En Shame hay una intensidad subrayada por un ritmo lento pero progresivo. No es un film fácil, hay secuencias muy duras, y durante el metraje no se da un respiro al espectador: Que nadie se espere echarse unas risas o salir de la sala alegre y contento. Estas cirunstancias son compensadas por unas interpretaciones prodigiosas, tanto de Fassbender como de Mulligan (que nos brinda una de las mejores secuencias musicales que se han visto en años), por un poderio visual al alcance de muy pocos, y por ser uno de los filmes más pesimistas y agónicos que han tratado el tema de la soledad. 

Resumiendo, Shame es desoladora y triste, pero también una joya cinematográfica imprescindible tal y como está la cartelera.

Puntuación: 8

THE AMAZING SPIDERMAN: Nuevas redes

The Amazing Spiderman. Director: Marc Webb. Reparto: Andrew Garfield, Emma Stone, Rhys Ifans.

Sinopsis: Como la mayoría de los adolescentes de su edad, Peter está intentando descubrir quién es y cómo ha llegado a ser lo que es. En su viaje para atar los cabos de su pasado descubre un secreto que guardaba su padre, un secreto que finalmente dará forma a su destino como Spiderman.

Para comentar una película como The Amazing Spiderman, primero veo importante responder a la pregunta que cualquier fan se hizo cuando se anunció  este nuevo proyecto de Marvel Studios: ¿Era necesario otro relanzamiento de un personaje que conoce todo el mundo? Pues probablemente para los fans no, pero para la industria se hacia imprescindible si quería seguir ganando pasta a costa del lanzaredes. Dicho esto, ¿Estamos ante una mala película? Pues tampoco, porque Marvel ha acertado de pleno en darle la dirección a un realizador que ya había demostrado en su primera película (500 días juntos) una asombrosa pericia para crear química entre dos personajes jovenzuelos. La relación entre Parker y Gwen Stacy convence, y es el hilo de red sobre el que se sostiene un film bien construido y matemáticamente ejecutado. Otro punto a favor de este Blockbuster es la claridad con la que están rodadas las escenas de acción, sin movimientos de cámara mareantes ni planos confusos. El inevitable aprendizaje del héroe y la creación del villano de turno son desarrollados con soltura y con algunos detalles virtuosos (Vease la secuencia del skate o la del metro).

Quien acuda a ver The Amazing…  ya sabe más o menos lo que se va a encontrar, al fin y al cabo es un producto destinado a triunfar en las salas, pero no trata al espectador como un completo idiota, no hay diálogos estúpidos, apenas hay baches narrativos y la acción va in crecendo hasta el final.

Como lector asiduo del trepamuros debo poner algunas objeciones, achacables también al guion del film: Veo innecesario ese nuevo planteamiento sobre la relación del  origen de Spiderman y sus padres, incluido ese epilogo corto e intrascendente.  Uno también se cansa de que los objetivos del villano siempre sean los mismos, con la dichosa toxina de las narices. A pesar de que Spiderman empieza haciendo algunos chistes, una vez avanza la película desparecen, algo que también le ocurría al Spiderman de Raimi; El hecho de que Spiderman haga bromas continuamente es debido al miedo a las situaciones a las que se enfrenta, y es un rasgo distintivo que enriquece al personaje. Otro apunte molesto: En todos los films de Superhéroes parece que cada dos por tres el héroe se tiene que quitar la máscara, ya sea por una causa o por otra. Claro, para un productor debe ser un fastidio que un doble digital chupe más cámara que su megaestrella, y que este se lleve una millonada por salir en media hora de metraje. También echo de menos a J.J Jameson o a Mary Jane, pero eso ya son cuestiones de uno.

The Amazing… es un muy digno entretenimiento,  un buen punto de arranque que esperemos no sea relanzado de nuevo por falta de público. No sea que Spiderman acabe siendo interpretado por Justin Bieber.

Puntuación: 6

LOS VENGADORES: Un sueño cumplido

The Avengers. Director: Joss Whedon. Reparto: Robert Downey Jr., Chris Evans, Scarlett Johansson, Mark Rufallo.

Cuando un enemigo inesperado surge como una gran amenaza para la seguridad mundial, Nick Fury, director de la Agencia SHIELD, decide reclutar a un equipo para salvar al mundo de un desastre casi seguro. Adaptación del cómic de Marvel "Los Vengadores", el legendario grupo de superhéroes formado por, entre otros, Ironman, Hulk, Thor y Capitán América.

Recuerdo años ha, cuando era un jovenzuelo (Más de veinte años, uf) y hablaba con los amigos sobre las pelis de superhéroes, que siempre imaginábamos como sería ver una película de “Los vengadores”. Lo veíamos terriblemente difícil, no sólo por los efectos especiales, sino porque ver esos trajes chillones en la pantalla grande iba a cantar de lo lindo. Poníamos a los actores de moda en los papeles de protagonista: Bruce Willis, Stallone, Nicolas Cage… Pero ningún proyecto fructificó por aquel entonces. Cuando llegaron los noventa y las adaptaciones de Tim Burton sobre Batman, lo vimos un poco más cerca: Los superhéroes se ponían de nuevo de moda, llovieron los rumores de que James Cameron quería hacer Spiderman...pero la cosa duró poco. 

Ahora más que de moda, los superhéroes son un filón inagotable para la empobrecida industria, y mientras la cosa funcione, tendremos cine de superhéroes hasta hartarnos. Dicho esto, también debo explicar que al ser fanático de los comics, no puedo ser muy subjetivo a la hora de hablar de esta película, y por ese mismo motivo también debo aclarar que por muchas películas que hagan, y por estupenda que sea la calidad de algunas de estas adaptaciones, en mi opinión nunca superarán el placer que supone leer un buen comic de “Los vengadores” o de “Batman”. Y digo esto no sólo porque el comic sea el formato original para el que se crearon a estos héroes, sino porque todas las adaptaciones que hemos visto, con la posible excepción de “El Caballero oscuro”, tienen un carácter comercial que impide que tengamos una visión adulta de estos personajes, y más importante, una visión adulta de lo que nos están contando. No hay ambigüedad moral, no hay sangre ni triunfa el villano (Si, en los comics a veces el malo gana). Sólo Nolan y su Batman se ha aproximado a todo esto, y aun así, todavía anda lejos de la complejidad vista en obras de Grant Morrison o Frank Miller. Es lo que tiene buscar el equilibrio entre el cine que uno quiere hacer y el cine comercial.

Los vengadores también tiene un poco de esto, aunque estemos ante todo un Blockbuster. Y es que gracias a la hábil dirección de Joss Whedon, nos encontramos ante un film lleno del no va más en efectos especiales y a su vez un buen ejemplo de como hacer que todos esos personajes y egos encajen, haciéndolos interactuar a través de inteligentes diálogos. Whedon sabían donde se metía. Es un fan del comic, es el creador de Buffy y el guionista de una de las mejores etapas de X-men. El conocimiento de los personajes se nota en las relaciones de estos, y a pesar de algunas reacciones contradictorias (Hulk tan pronto es una bestia asesina como un manso corderito) son la base del film.

Otro punto a favor de la película es que no se desinfla en el desenlace, algo que si le ocurría, por ejemplo, a la brillante X-men, primera generación. Todos las subtramas se solucionan correctamente y eso le da un empaque que no tenían las películas de sus personajes en solitario.

El villano, Loki, deja atrás el soso papel de Thor y deja momentos de una brillantez Shakespiriana. Casi todos los secundarios están metidos en su papel, aunque Maria Hill aparece poco y no tiene ninguna relevancia. 

¿Qué más? Acción, mucha acción de la buena. Peleas entre superhéroes, tiros, explosiones, humor, (Genial Robert Downey Jr.) y Scarlett Johansson… Todo lo que busca el fan y cualquiera al que le gusten las pelis espectáculo. ¿Defectos? Aparte de lo citado más arriba, endémico en los productos Marvel, creo que sobran algunos discursos pseudo-infantiles sobre la necesidad del héroe y la seguridad. Además, el personaje de Nick Furia en el comic es un auténtico capullo, y no tiene a mano ningún “consejo de las sombras”. Cosas de las teorías conspirativas y la postmodernidad.
  ¿La mejor película de una adaptación Marvel? Si, aunque esperemos que la próxima sea aun mejor.

Puntuación: 7 y medio. 

REC 3: GÉNESIS

Rec 3, Génesis. Dirección: Paco Plaza, Año: 2012, Reparto: Leticia Dolera, Diego Martín, Mireia Ros, Ismael Martínez.

Sinopsis: Koldo y Clara están hechos el uno para el otro. Van a celebrar su enlace acompañados de sus seres queridos. Pero una negra sombra se cierne sobre ellos. En el día más feliz de sus vidas, el infierno va a desatarse.

Como me ocurría con No habrá paz para los malvados, siento no compartir el entusiasmo de la mayoría de los críticos de este país (Excepto Boyero, que no se anda con medias tintas) a la hora de evaluar los méritos cinematográficos de Rec 3.

La primera película era un brillante ejercicio de tensión y claustrofobia, la segunda significaba el paso al todo vale y a la acción pura y dura. La tercera... La tercera simplemente no está dirigida por Balagueró, y eso se acaba notando. Quizás le pedía mucho a esta cinta, pero una vez salí del cine no podía dejar de preguntarme que habría hecho Balagueró con los personajes de esa boda, a los que estoy seguro les habría sacado más partido a base de exponer las miserias y la hipocresía que esconden ese tipo de celebraciones. Plaza nos presenta a una serie de tipos variopintos que rodean a los protagonistas, pero los más divertidos son los primeros en caer y eso hace que la película confluya en el héroe soso, interpretado por Diego Martín, y en la estrella de la función, una Leticia Dolera que insufla aire a la  película con cada una de sus apariciones.

A pesar de un arranque lleno de nervio, y algunos momentos brillantes, la película resulta desvalazada y falta de una narración que nos diga hacia donde se dirige. Muchas secuencias parecen aisladas unas de otras, y algunas ideas (relacionadas con el personaje de Diego Martín) rompen con la seriedad de la propuesta, pero es que además no hacían falta para hacernos ver que estamos ante una especie de cuento de hadas macabro.

También en esta secuela se rompe la regla de la cámara en mano, y después del prologo, tenemos la cámara omnisciente de Plaza, que consigue al menos mantenernos atentos a la pantalla hasta el adecuado desenlace, que nos hace olvidar un pasaje un tanto ridículo utilizado para intentar detener a los zombis.

Resumiendo: Estamos ante un film entretenido pero irregular, con buenos detalles de humor negro, algo de Gore (Pero sin pasarse) y en el que podemos asistir a una interpretación a lo Bruce Campbell de Leticia Dolera, que se nota que se lo pasa pipa llenándose de sangre y vísceras. Ah, y todo apunta a que Balagueró dirigirá la cuarta parte: Rec, Apocalipsis. Una buena noticia.

Puntuación: 5

LOS IDUS DE MARZO

The ides of March, Director: George Clooney, Año: 2011, Reparto: Ryan Gosling, George Clooney, Paul Giamatti, Evan Rachel Wood.

Un joven idealista empieza a trabajar como director de comunicación para un prometedor candidato que se presenta a las elecciones primarias del Partido Demócrata. Durante la campaña tendrá la oportunidad de comprobar hasta qué extremos se puede llegar con tal de alcanzar el éxito político.

Cuarto trabajo de George Clooney como director, tras la interesante Confesiones de una mente peligrosa, la notable Buenas noches y buena suerte y Ella es el partido, que aun no he visto. En Los Idus de Marzo Clooney vuelve a demostrar que aún no es un gran director, pero quizás no deba serlo, es posible que no le haga falta. De hecho, creo que su mayor merito reside en eso mismo: Clooney no quiere rodar la cinta definiva sobre los entresijos de la política, no busca sentar catedra, ni intenta que se diga: “Eh, amigos, soy yo, Clooney, soy el director y tiene que notarse.” Muy al contrario, su forma de dirigir sigue un modelo clásico, incluso austero, falto de piruetas visuales. Puede que sus detractores le achaquen que no tiene un estilo propio identificable, pero para el director es más importante el mensaje de la película, y que ese mensaje esté presentado de forma clara y contundente. Lo hizo en Buenas noches... y lo repite aquí, con una soltura de artesano y rodeado de un reparto de lujo que exprime sus papeles como hacía tiempo que no se veía. 

Los Idus... Cuenta la historia de cómo se elaboran las campañas en unas elecciones primarias norteamericanas a través del personaje que interpreta Gosling: Un tipo integro que ve en su candidato (Clooney) la figura que puede aportar un futuro esperanzador para su páis. A medida que avanza la película iremos viendo que algo está muy podrido en Dinamarca, y que los intereses políticos priman por encima de las personas.; El comienzo es algo lento y la verdadera trama tarda en arrancar, de hecho no se produce hasta la segunda parte de la cinta, pero las situaciones narradas al principio terminan encajando y Clooney se las apaña para que todo quede más o menos en su sitio. 

La película es una crítica feroz y despiadada contra el sistema político norteamericano, contra los democratas y los republicanos, contra el periodismo amarillista, contra la hipocresía de la sociedad actual y la deshumanización que nos arrastra a los abismos.

Ese es el mensaje de Clooney, sin adornos ni esperanzas; la imagen de Gosling es la metáfora del ser humano moderno: Ambiguo, sonriente, capaz...Y mucho, mucho más.

Ojalá tengamos mucho tiempo a Eastwood con nosotros, pero por si acaso, siempre nos quedará Clooney.

Puntuación: 7

NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS

Director: Enrique Urbizu, Año: 2012, Interpretes: José Coronado, Rodolfo Sancho, Helena Miquel, Juanjo Artero.

Sinopsis: Madrid, principios del siglo XXI. Un día, el inspector de policía Santos Trinidad, volviendo muy borracho a casa, se ve involucrado en un triple asesinato. Pero hay un testigo que consigue escapar y que podría incriminarlo. Santos emprende una investigación destinada a localizar y eliminar al testigo.

La ganadora de los Goya de este año es, en mi opinión, inferior no sólo a La piel que habito, sino también a los anteriores films de su autor:  La vida mancha o la genial La caja 507.  No habrá… sigue la misma estela de policiaco sucio y lleno de tramas que tenía La caja…, pero la historia que aquí se expone no llega a enganchar del todo, y tras un inicio magnífico, la película se pierde girando sobre si misma sin llegar a ningún lado. Es cierto que recupera el tono hacia el final, y que está rematada con pericia y elegancia, pero le falta argumento y fondo para ser algo más que un buen Thriller. Y ojo, que en mi opinión es un buen Thriller, algo muy meritorio en la cinematografía española, falta de presupuestos para películas de este tipo; el problema es que Urbizu ya nos había contado algo muy parecido en La caja… y mucho mejor.

Sin destripar demasiado la película,  tenemos a un policía corrupto en busca de un testigo que podría comprometerlo seriamente, y una investigación paralela que asocia al testigo con narcotraficantes y el terrorismo islámico. Se juega con el peligro latente de la amenaza terrorista y hay una secuencia en el metro que nos hiela la sangre, pero los malos parecen malos y eso le resta algo de ese realismo casi documental que a ratos tiene la cinta.

José Coronado hace un buen papel, y me parece un acierto que no sepamos como un buen policía ha llegado a ser todo lo contrario. Sin embargo, las motivaciones de Santos Trinidad quedan difusas cuando debe enlazarse el pasado y el presente del personaje. Es un hándicap que arrastra todo el metraje, ya que no sabemos con certeza si lo que le mueve es un afán de supervivencia, la venganza o la privatización del Canal de Isabel II. Puede que esa fuese la intención del director, pero el hecho de que los personajes secundarios, tanto el policía como la juez, no logren pasar de estereotipos (No hay nada más que ver la secuencia de la juez hablando por teléfono con su hija… Bochornosa) hace que la película pierda interés.

Aun así, hay que alabar el pulso narrativo de Urbizu, que impide que la película caiga en el tedio a pesar de los baches, y que saca partido a los ambientes urbanos y más deprimentes de Madrid, que la capital no sólo es la Gran vía.

En otro orden de cosas, sigo sin encontrar explicación a los paneles de críticas que aparecen en revistas, periódicos, etc. Da la sensación, desde hace mucho, que una película, por ser española, tiene que tener fortuitamente una media de una estrella más que cualquier otra producida fuera de este país. Y si la película tiene pinta de que pueda estar nominada a los Goya, la cosa se pone disparatada.

Puntuación: 6

THE MAN FROM NOWHERE

Ajeossi. Director: Lee Jeong Beom. Reparto: Won Bin, Kim Sae-Ron, Kim Tae-Hoon.

Sipnosis: La única conexión del ex-agente especial Cha Tae-sik con el mundo es una niña, So-mi, que vive cerca. La madrede So-mi, Hyo-jeong, se dedica al contrabando de drogas a sueldo de una Organización de traficantes y confía el producto a Tae-sik, sin hacérselo saber. Cuando los traficantes se dan cuenta secuestran a madre e hija.

The man from Nowhere es otro de esos films Coreanos que son aplaudidos en los festivales por los que pasa, pero que luego tienen escasa publicidad y nula distribución;  Es triste que películas como “The Chaser” o “I saw the Devil” no tengan cabida en nuestra muchas veces infame cartelera, o que un film como “The Yellow sea”, premiado en Sitges, haya pasado de puntillas por los cines madrileños. El caso que nos ocupa es otro más, aunque creo que la calidad de The Man… está un poco por debajo con respecto a las otras obras mencionadas.

Parecida en intenciones a “The Chaser”, estamos ante otro ejercicio de virtuosismo técnico. La fotografía, la ambientación y el montaje están medidos al milímetro, y esta cinta no tiene nada que envidiar a cualquier producción Hollywoodiense.

El planteamiento de The man from Nowhere es convencional: Un Hombre implacable con un turbulento pasado en las fuerzas especiales se encariña de una niña cuya madre se dedica al narcotráfico. La madre roba a uno de sus jefes y este secuestra a la niña, lo que provocará que nuestro protagonista se convierta en una maquina de repartir estopa.

Una de las diferencias con cualquier producto similar del amigo Seagal o Van Damme o ahora ¿Reynolds?, es que aquí se humaniza la relación de la niña y el héroe,  gracias a que nos presentan a dos seres solitarios, con defectos y aparentemente diferentes, pero que se ven reflejados el uno en el otro, unidos en su necesidad de sentimientos.  Tampoco es que estemos ante un film sensiblero y ñoño, ya que los momentos entre los dos personajes son escasos, pero detallistas, muy acertados y sin duda lo mejor de la cinta.

Lo demás sigue los caminos del Thriller a la coreana, de ritmo pausado, con pocas secuencias de acción pero muy satisfactorias. Especialmente brillante es la escena final, un prodigio de montaje y   coreografía, llena de una violencia cortante y brutal.

Los actores cumplen sin brillar, pero el protagonista dota de un aire misterioso y torturado a su personaje y la niña le sigue a la perfección. Quizás faltase un enemigo a la altura, aunque el personaje del sicario está bien construido y es clave en el desarrollo de la trama.

 ¿Qué falla entonces para no ponerla a la altura de “The Chaser? Quizás la falta de un guion más elaborado, más intensidad, y es posible que le sobren algunos tópicos alrededor de la figura del héroe solitario, algo  que le resta credibilidad y realismo al conjunto.
Quitando esto, el director rueda con soltura y sentido del suspense, y arriesga en la puesta en escena y en la construcción de planos, otro de los principales motivos por el que el cine Coreano, ahora mismo, le saca varios cuerpos de delantera al cine americano de acción. Puede que las propuestas sean similares. Pero no se asumen los mismos riesgos, ni tienen la misma frescura.

Puntuación: 7

LA MUJER DE NEGRO

Woman in Black. Director: James Watkins, Año: 2012, Reparto: Daniel Radcliffe, Ciaran Hinds, Janet McTeer.

SINOPSIS: Arthur Kipps es un joven abogado cuya empresa lo envía a un lugar remoto para vender la casa de un cliente que acaba de fallecer. La gestión, aparentemente rutinaria, tropieza con ciertas dificultades: los vecinos se muestran reacios a hablar sobre la casa o a acercarse a ella; además, nadie está dispuesto a admitir la existencia de una mujer de negro que él está seguro de haber visto.

La mujer de negro es el segundo film dirigido por James Watkins, quien ya en 2008 llamase la atención del respetable con la brutal “Eden Lake”, un interesante film de psicópatas que se diferenciaba de otros productos parecidos gracias a una dirección enérgica y llena de ritmo.

Ahora Watkins cambia el gore y la tensión física por lo sugerido y la creación de atmósferas, un ejercicio de clasicismo que sin embargo mantiene las constantes percibidas en su anterior obra y lo confirman como un director a seguir.

El film está basado en la existosa novela gótica que Susan Hill escribió en el año 1982, adaptada a la televisión y llevada al teatro en repetidas ocasiones. Tuve la oportunidad de ver la obra hace unos años, y me produjo sensaciones parecidas a las que sentí al ver la película: Es una obra predecible y con pocas sorpresas, pero la creación de ambientes y la tensión del relato consiguen mantenerse por encima de sus defectos.

Como todo buen relato gótico, tenemos fantásmas, cementerios, casas abandonadas, pueblos llenos de gentes apáticas y hoscas, misterios del pasado, etc. En medio de todo ello, Daniel Radcliffe, que se arranca las gafas de mago adolescente y sale bien parado del enfrentamiento contra las fuerzas del mal, creando un personaje sin aristas pero con una presencia indiscutible.

Los secundarios cumplen sin más, pero siempre es de agradecer la presencia de un actor del empaque de Ciaran Hinds.

Que la producción corra a cargo de la renovada Hammer es una buena noticia para el género; esos decorados recuerdan a los mejores tiempos de la productora, y debe ser un nuevo punto de partida después del fracaso de “La víctima perfecta”.

En resumen, se agradece un producto que, si bien contiene algunos típicos golpes de efecto, se esfuerza por contextualizarlos dentro del argumento, siendo pocos de ellos gratuitos, y alguno incluso notable. También resulta estimable el ritmo creciente del relato y la aportación de algunas secuencias que generan suspense, algo fundamental en una película de terror pero que parece haberse olvidado en el cine actual.

En el lado negativo decir que no hay un argumento novedoso y que hay partes que al aficionado le sonarán a ya visto. Además, el final estropea un tanto la atmósfera de pesadilla y el clima creado, pero es un mal menor para un film respetable, ideal para una tarde lluviosa.

Puntuación: 6

PRISMA

Corto grabado en 2008 en el que mantengo las constantes de la mayoría de aquellas grabaciones: Sonido ambiente en ocasiones inaudible, falta de planificación y prisas, muchas prisas. Eso si, entre tanto error técnico, algún acierto hay, creo yo...Dura poco. Noorrr. 

 

¿Quién puede matar a un niño?: parte 2

Los chicos del maíz e influencias posteriores

 En 1979, Stephen King publicó el cuento Los chicos del maíz, dentro de su estupenda antología El umbral de la noche. No sabemos con certeza si King llegó a ver la cinta de Chicho, pero los parecidos son evidentes, y la película que se estrenó en 1984 con el mismo título del cuento, dirigida por Fritz Kiersch, es una mala copia del film español. Los niños también masacran a los adultos de un pueblo aislado y se mueven en grupos armados con cuchillos y hoces, aunque aquí los motivos de su comportamiento sean la adoración a un Dios pagano y monstruoso. También tenemos a una pareja en apuros, niños jugando a matar e intentos de crear una atmósfera asfixiante, pero tras un inicio prometedor, el resultado es decepcionante, ingenuo y terriblemente comercial. Fue una de las producciones más taquilleras de aquel año, siendo la copia del modelo a su vez modelo de otras copias. Un año después de publicarse el cuento de King se estrenaron series-b como Cumpleaños sangriento (1981) de Ed Hunt, o Abrazo mortal (1981) de Max Kalmanowic, a las que siguieron otros títulos olvidables y numerosas secuelas de Los chicos del maíz.

Más recientemente, destacar la funcional pero efectiva Eden Lake (2008) de James Watkins o la interesante The Children (2008) de Tom Shankland, quizás la más cercana a los conceptos que el director español quiso plasmar treinta y dos años antes (En The children, los niños parecen poseídos por un virus desconocido que los vuelve violentos, pero a su vez parecen querer vengarse del trato de los adultos, y se coordinan como si tuvieran un solo pensamiento en la cabeza). En todas ellas se sigue más o menos el esquema introducido por Chicho en su película: Niños que se valen de su aparente inocencia para destruir al adulto, grupos coordinados de infantes homicidas, y adultos incapaces de hacerles frente.

Una reflexión final

En todo caso, ¿Quién puede matar a un niño? sigue siendo el más atrevido de todos estos filmes. Se podría decir que esta película es un cruce entre Los pájaros y El pueblo de los malditos, pero esa mezcla ha dado como resultado una película pionera dentro del género de terror. Es un subgénero de niños crueles y felices de serlo, aparentes crios inocentes que se mueven como un conjunto asesino e irracional, y donde la diversión se encuentra en la aniquilación del adulto.
Chicho ha declarado en más de una ocasión que no quiso hacer una película cargada de crítica social o un film de denuncia; sólo pretendía inquietar al público.
 Vaya si lo consiguió.